En esta entrevista, los reconocidos actores y artistas Vincent D'Onofrio y Laurence Fuller dan una idea del proceso creativo detrás de su obra de arte "No Fear, No Greed, No Envy". Es el último trabajo de la iniciativa colaborativa Graphite Method y representa una fusión de historia del cine, arte digital y expresión poética inmortalizada como una inscripción Bitcoin. Lo especial de la obra de arte es que el marco del tríptico y la palabra poema cambian diariamente a las 19:19 UTC.

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STEVEN REISS: 'No Fear, No Greed, No Envy' es tu nuevo y fascinante proyecto. ¿Puedes compartir con nosotros la inspiración detrás de este trabajo en particular y qué los unió para crear Graphite Method?

LAURENCE FULLER: Esta pieza surgió cuando hablé con Vincent sobre la creación de una obra de arte para Graphite Method para inscribirla como Ordinal. Que debería ser un concepto histórico relacionado con el cine, el arte y la poesía y el primero de su tipo, eso sería para siempre una declaración en la cadena de bloques de Bitcoin sobre la evolución de las tecnologías de nuestro tiempo y cómo están afectando la expresión humana.

En ese momento estaba pensando mucho en el tríptico a lo largo de la historia del arte desde el Renacimiento y en cómo Francis Bacon exploró ese formato de narración en tres actos en el arte moderno, pero fue pasado por alto en el arte más contemporáneo, especialmente el arte digital en web3. ¿Qué significa hoy el tríptico para nosotros? Y cuando corresponde a la estructura de tres actos del cine.

Hablé de las limitaciones del tamaño del archivo con Vincent, de que tenía que ser más pequeño para ajustarse a los parámetros de Bitcoin ~ y de cómo nuestro colaborador en este proyecto, Ordally, había hablado sobre el potencial de crear una pieza que cambia con el tiempo.

Inmediatamente Vincent respondió con la idea de que el tríptico debería hacer referencia a la historia de Charlie Chaplin, Marie Pickford y Douglas Fairbanks y su firma de los documentos para uno de los principales estudios más históricos de Hollywood (dejamos fuera a D.W. Griffith con razón). El tríptico estaría formado por tres retratos que evolucionan con el tiempo para contar una reinvención onírica de esta historia de la historia del cine, pero con algunas diferencias decisivas que comentan la llegada de la IA. Cada cuadro incorporaría un poema de una palabra que pasaría desde la parte inferior de la pantalla hasta la parte superior y sería narrado por Vincent y por mí.

Nos reunimos para formar Graphite Method después de que Vincent descubriera mis piezas de poesía en Twitter; pasó algún tiempo después de que había interactuado con él sobre su actuación algunos años antes. La primera pieza sobre la que publicó fue una colaboración con mi madre Stephanie Fuller, una pintura animada con poesía sobre ballenas. Tomamos caminos separados y durante un par de años estuve labrando mi nicho en web3 definiendo el medio de la poesía cinematográfica y colaborando con cien artistas diferentes en todo el mundo. Pero aproximadamente un año después volví a publicar sobre nuestra interacción y comenzamos una relación, le pregunté a Vincent si quería colaborar y al día siguiente respondió "¿qué quieres decir con colaborar?" ~ todo siguió desde allí.

VINCENT D’ONOFRIO: en una conversación Laurence sacó a relucir la idea de una pieza tríptico. Hablamos un poco sobre la historia de las piezas trípticos y cómo ampliaron el alcance de una pieza o una serie de piezas. Una oportunidad para tomar la estructura de una pieza, un retrato o un paisaje épico y profundizar en su narración.

Un buen ejemplo son los trípticos realizados por primera vez en la Edad Media, que adornaban los retablos de las iglesias. La idea de múltiples paneles que podían estar abiertos o cerrados. Cerrar una parte de la pieza general y luego abrirla para profundizar o mirar hacia atrás en la historia con una perspectiva diferente.

En cuestión de minutos, mientras hablábamos, la pieza Sin miedo… me llegó como un pensamiento completo, una obra completa, la pieza completa, la historia completa, el movimiento de la pieza y su tema y personajes. Inmediatamente comencé a describírselo a Laurence ya que estaba siendo muy específico con Laurence sobre los personajes y su historia. Laurence tiene una imaginación maravillosa. Por supuesto, entendió inmediatamente el concepto de la pieza. Al cabo de un día anoté la historia. Una especie de primer borrador. Una palabra para cada cuadro y describí cómo las palabras debían moverse a través de la pieza de abajo hacia arriba. El tono, el tacto que debe tener la pieza.

Laurence rápidamente comenzó a enviarme borradores de imágenes (WIPS) y los discutíamos y tomábamos notas. Laurence profundizó en las imágenes y comenzó a plasmarlas de la manera más maravillosa. Se logró el concepto general. Aparte de eso, no me interesa mucho explicar nuestras piezas. Creo que nuestras piezas deberían hablar por sí mismas para cada espectador individual, espectador y miembro de la audiencia. Creo que esta pieza habla fácilmente por sí sola.

En cuanto al método de formación del grafito. Noté un artículo que Laurence había publicado en X. Como nunca había conocido a Laurence, me acerqué para felicitarlo por su talento. Una cosa llevó a la otra y aquí estamos con el Método Graphite.

SR: Ustedes se han descrito como pioneros de la poesía cinematográfica. ¿Cómo influye este medio en tu trabajo con el arte digital?

LF: Bueno, es nuestro medio elegido, no sé si me describiría así. Interpretar poesía y adaptarla de esta manera ha dado vida a mis diarios de actuación. Gran parte del proceso de Method Acting se pierde en las polvorientas bibliotecas del tiempo y nunca se explora en profundidad. Principalmente porque nuestra producción de antecedentes emocionales del personaje del diario, la búsqueda a través de pensamientos y recuerdos no está realmente plasmada en los borradores del diario. Esos diarios a menudo se desechan y lo que el público ve es la actuación terminada. Pero ¿y si se convirtieran en la sustancia de las obras de arte? Realmente fue la rápida evolución de las técnicas y procesos del arte digital en los últimos años lo que me permitió perfeccionar estos descubrimientos.

Cuando acuñé mi primer trabajo de poesía cinematográfica en Ethereum Blockchain en marzo de 2021, se llamó “Childish Force of Nature”, mi interpretación hablada de un poema que escribí junto con una pintura animada de Sima Jo, una celebración de la experiencia humana de el océano. Las fuerzas naturales de este mundo deben informar las cualidades sustanciales de mi arte, independientemente de la última actualización que se produzca en la IA. Ésa es una verdad universal para mí. Como lo es escribir la poesía a mano e interpretarla con mi propia voz.

Al igual que Vincent también, cuando colaboro con él en los trabajos del Método Graphite.

VD: Personalmente nunca me he descrito como un pionero de nada. Para mí todas las artes son variaciones sobre variaciones sobre variaciones a lo largo de la historia. Los tiempos cambian, la tecnología evoluciona y se crean nuevas variaciones a partir del aliento y el latido del corazón de los artistas de antes y de los artistas de ahora. Eso en sí mismo es bastante importante. Realmente es una idea genial.

Además de estar muy emocionado y apreciar otros tipos de arte y artistas en esta comunidad, estoy realmente involucrado en crear lo que estamos haciendo en Graphite Method. Llevando esta poesía fílmica lo más lejos que podamos y utilizando la tecnología, la respiración y los latidos del corazón para formarla. Lo iluminamos, lo filmamos, lo componemos, lo dirigimos artísticamente y lo escribimos y dirigimos.

Definitivamente estamos ante algo que nos entusiasma a ambos. Para mí, de eso se trata esa emoción.

SR: Laurence, una vez mencionaste que la tecnología está cambiando rápidamente todos los aspectos de nuestras vidas y que los artistas son en realidad los primeros en sentir y expresar estos cambios. ¿Cómo influyó esta perspectiva en su decisión de utilizar Bitcoin Ordinals para este proyecto?

LF: La tecnología para mí es un instrumento, como un violonchelo, toca los acordes de Mozart. Está ahí, es inanimado, pero cuando los dedos y las ideas humanos lo captan, adquiere una cualidad espiritual. O la voz del actor, especialmente en la formación clásica, a menudo se denomina instrumento. Gran parte de mi arte trata de honrar nuestro pasado, el pasado humano, la historia del arte, la historia poética y la historia del cine. Aunque Bitcoin tiene el origen de ser la primera cadena de bloques y, en última instancia, la última sala de la biblioteca de conocimiento digital que se mantiene a salvo detrás de bóvedas de código. Es donde se guarda y almacena la Divina Comedia, las Obras Completas de Shakespeare de la era digital. Y si aún no está ahí, lo estará. Esta pieza es una declaración de que así sea. Pioneros del cine hablando a través de nosotros, con poesía y arte conceptual. Creo que los humanos trascendemos la tecnología en nuestra capacidad de sentir, pensar y procesar el mundo que nos rodea.

Me ha sorprendido lo bien que Vincent se ha adaptado a las nuevas tecnologías y su dirección; a la edad de 64 años, diría que es incluso más apasionado y expresivo al respecto que yo. Le encanta decir que soy como un pintor, pero en realidad no soy nada como un pintor, porque no pinto. Me acerco a este arte de la misma manera que me acerco a un guión como intérprete. Las imágenes, los símbolos y la poesía influyen en el resultado final tanto como lo hicieron en la preparación de mis actuaciones como actor de cine y teatro. Y las presentaciones inmersivas de las obras de arte, con el arte cinematográfico parpadeando por todas partes mientras leo la poesía de memoria, es donde para mí este medio encuentra su latido más fuerte. Para mí, esa es la evocación más cruda y verdadera de la estética espiritual del arte de actuar, que cobra vida de una manera completamente nueva y visceral, que no se puede replicar.

SR: Ambos habéis tenido carreras notables como actores durante varias décadas. ¿Cómo influye tu experiencia como actor en tu trabajo con Graphite Method?

VD: Desde hace años he aprendido a avanzar siempre en la forma de expresarme. Nunca mirar atrás y avanzar con confianza. Poner cualquier cosa que creas frente a una audiencia siempre es una tontería. Dos cosas: fracaso o éxito. Ambos resultados son buenos para un artista y ambos no son tan blancos o negros en cuanto a cómo te afectan en el futuro. A veces son intercambiables.

LF: Es esencial de la misma manera que los sueños informan tu día. Este tipo de trabajo es como los cimientos subconscientes de algo mucho mayor en escala, pero no deja de ser esencial.

Había estado trabajando de esta manera durante un par de años antes de asociarme con Vincent y en gran medida me informaron los dramaturgos, filósofos, escritores y directores con los que trabajé antes de conocerlo. Después de dos años trabajando juntos, siento que apenas estoy empezando a conocerlo.

Mis diarios de actuación son realmente donde empezó todo, hace unos diez años, cuando trabajé en una película llamada “Road To The Well”, que tenía un personaje muy intenso, un abandono de la filosofía. El director me pidió que estudiara a Camus y a los existencialistas para prepararme para el papel y también me resultó muy útil incorporar algunas de esas ideas en mi enfoque del guión. Para prepararme para un papel o un guión, escribía poesía en prosa muy cruda y la combinaba con referencias visuales de la historia del arte, a lo largo de los años que evolucionaron y evolucionaron hasta llegar al medio con el que nos ocupamos hoy.

Me emocioné cuando Vincent, uno de mis héroes en el medio de la actuación, me pidió asociarse conmigo, creo que le dio una calidad muy diferente a lo que estaba desarrollando. Las tomas de Vincent son más modernas y vanguardistas, normalmente completamente desconectadas de la historia. Un día destrozará algo y al siguiente lo declarará precioso e irrompible.

Para mí, la construcción de un poema o una obra de arte se compone de adaptaciones, muchas pequeñas adaptaciones apiladas unas sobre otras hasta obtener una Torre de Babel; una metáfora es una adaptación de una cruda realidad. Un poema es una adaptación de algo insoportablemente veraz. El lenguaje mismo se va adaptando a través de generaciones, el lenguaje pictórico y el verbal. Nuestra relación con cualquier cosa es una relación adaptada.

SR: Su proyecto tiene paralelos con los primeros días del cine, como la fundación de United Artists. ¿Cómo estas referencias históricas informan tu trabajo?

LF: Me fascinan constantemente las huellas dejadas en la historia colectiva de la filosofía, el cine y el arte. Creo que nada puede ser tan informativo como la vida misma, pero a veces los narradores pueden encontrar verdades que no podemos explorar sin su ayuda. A veces encuentro más verdad en la lectura de Baudelaire o de los escritos de mi difunto padre que en las palabras de las personas que me rodeaban en ese momento. A veces, las personas que me rodean son profundamente informativas para mi arte, incluso si me siento aislado por ellas.

Los pintores de la Escuela de Londres fueron informados por la generación que los precedió con David Bomberg y Stanley Spencer y similares. La literatura también evolucionó de esa manera, cuando en un momento cierta prosa parecía muy del momento, luego se volvió obsoleta y luego, de repente, la generación siguiente resurgió. Y los actores también reciben información de las generaciones anteriores, Daniel Day-Lewis dijo que Brando le informó mucho. Pienso de la misma manera que Vincent me informó. No de una manera literal, solo en términos de cuando alguien traspasa los límites hasta el final, no puedes ignorarlo, como artista tienes que lidiar con ese momento que lo cambió todo.

La historia del arte es esencial en nuestras obras, aunque, al igual que las películas de Chaplin creadas antes de 1929, es igualmente esencial que estas referencias sean de dominio público.

VD: La idea de que como artista estás participando de la historia de muchos artistas a lo largo del tiempo. Esto es bastante útil. Que no estás solo. Que la idea de lograr el 100% en el arte es un mito. Es más bien un viaje. Es tu lucha lograr el 100% sabiendo que nunca podrás hacerlo.

Esa lucha es lo que obtiene la audiencia. Ese es el espectáculo, la historia, la pieza.

La lucha es constante. La recompensa es simplemente el hecho de que una audiencia puede aparecer y echar un vistazo.

SR: Su obra de arte también cuestiona los valores y la ética cambiantes que rodean la llegada de la IA. ¿Cómo ve los paralelismos entre las cuestiones éticas planteadas por el cine antiguo y las planteadas por las tecnologías digitales modernas?

LF: La llegada de la cámara lo cambió todo. Los filósofos parecieron acercarse más a la verdad cuando discutieron cómo estos cambios afectaron a los pintores y escultores y cómo eso tuvo implicaciones más amplias para la sociedad en general. En “La obra de arte en la era de la reproducción mecánica” de Walter Benjamin, más tarde en “Ways Of Seeing” de John Berger y en “Seeing Through Berger” de su problemático protegido Peter Fuller. Todos lucharon con las complejidades de las cualidades materiales de la pintura y la escultura relacionadas con la experiencia estética y cómo eso moldeó nuestra comprensión del arte como una experiencia espiritual. Mientras que la cámara libera la imagen de su presencia física y la convierte en algo sustancialmente nuevo y diferente. La cámara permite que los fantasmas de un momento y de un objeto existan en hogares y mentes de todo el mundo al mismo tiempo. El cine volvió a remodelar a estos fantasmas para que se movieran y, en última instancia, para que hablaran.

Lo que en tiempos de Chaplin, Pickford y Fairbanks representó el cambio de guardia en el medio artístico elegido. Sonido y color.

Aunque me parece que Vincent está profundamente preocupado por la ética y la moral. Para él parece ser una postura que adopta, aunque esa postura parece cambiar con bastante frecuencia.

Yo diría que la moralidad es una preocupación menor para mí, en el sentido de que veo la vida desde una lente existencial y estoica: todo puede desaparecer mañana, entonces, ¿de qué te preocupaste realmente en el poco tiempo que te dieron? ¿Eras una buena persona a los ojos de otra persona? ¿O si realizaste tus sueños?

VD: La IA perderá puestos de trabajo. Yo incluido. Esto no me hace saltar de alegría. Los avances en nuestras culturas y en nuestra tecnología siempre lo han hecho. Sin embargo, creo que el arte legítimo siempre suena más fuerte, sin importar cuál sea el proceso que lo creó.

Creo que si hay un latido del corazón y un aliento humano detrás de una creación sobreviviremos a estas nuevas tecnologías. Lo que Laurence y yo estamos haciendo tiene el latido de nuestro corazón y nuestra respiración detrás de cada parte nuestra. Lo fotografiamos. Nosotros lo dirigimos todo. Escribimos cada palabra.

Seguramente son creaciones nuestras. No utilizamos la IA como un ruiseñor, por así decirlo.

SR: ¿Puedes explicar cómo utilizaste las limitaciones de tamaño de archivo de Bitcoin a tu favor al crear esta obra de arte?

VD: De ahí surgió mi idea de una secuencia de imágenes fijas con una sola palabra para cada fotograma. El único movimiento en la pieza es la palabra que flota hacia arriba y a través del marco.

LF: Eso fue en gran parte lo que hizo que esta pieza fuera lo que es. Discutir las limitaciones del tamaño del archivo fue lo que llevó a Vincent a la idea de que deberíamos centrarnos en los primeros días del cine y cómo las limitaciones de su época definían los medios de las películas mudas y las películas en blanco y negro. Ver a Chaplin en su mejor momento es ver sus inventos frente a las limitaciones. Restricciones tecnológicas, restricciones ópticas y, en algunos casos, restricciones morales. Estaba superando las ataduras de su época de maneras muy traviesas, razón por la cual el mundo se enamoró de él.

SR: ¿Qué esperas que los espectadores se lleven al experimentar este trabajo, tanto artística como tecnológicamente?

VD: Espero que les guste.

LF: Espero que con el tiempo y la exposición repetida en museos y galerías de todo el mundo, esta pieza llegue a representar el cambio de guardia en todo lo que estamos tratando. El viejo mundo se encuentra con el nuevo.

Los medios tradicionales siempre han sido importantes para mí a lo largo de mi trayectoria artística, estudiando teatro clásico en la Escuela de Teatro Bristol Old Vic, estudiando la crítica de arte, la poesía y los filósofos que respetaba de mi difunto padre. Y llevar esas formas de arte al cine y a las películas independientes en las que actué, escribí y produje ha sido muy importante para mí y lo que representé como actor y escritor, ahora también es importante para mí por lo que represento en el arte digital.

SR: Después de tu experiencia con bitcoin, ¿cuáles crees que son las lecciones más importantes que puedes aprender y qué consejo le darías a otros artistas, pero también a coleccionistas, que quieran explorar el arte de base ordinal?

VD: Pensar en la historia y evolución del arte. Todas las artes. Lo cual puede tener infinitas posibilidades. Y funciona bien representado en la sensibilidad web3. Un pozo profundo al que llegar.

LF: El conocimiento de las artes ha enriquecido mi vida de maneras que nunca hubiera imaginado, desde que era un niño. Coleccioné arte y lo cambié, así fue como me permití mudarme a Los Ángeles, haciendo algunos acuerdos decisivos con el arte de mi colección privada.

Esa pasión por las bellas artes, el coleccionismo y la curiosidad en su contexto cultural no siempre fue algo que mis compañeros en la escuela entendieran y hay una foto mía en algún lugar frente a cinco grabados de Lucian Freud a la edad de 18 años. 19 Hice una película sobre esto, una película llamada Possession(s) que escribí, produje y actué ~ trataba sobre este coleccionista que renunció a todo en su vida para poseer una pintura del artista australiano Peter Booth, la consumió por completo. él, se obsesionó con ello. Yo era dueño del cuadro de la película, que era una especie de otro personaje que se cernía sobre el elenco como un espectro y cuando salió la película lo vendí en una subasta.

Nunca se puede saber realmente a dónde te llevará poseer una obra de arte histórica, ni cómo se desarrollarán las cosas. Hay magia en eso.

El arte se puede ver aquí: Sin miedo, sin codicia, sin envidia. 

Esta es una publicación invitada de Steven Reiss. Las opiniones expresadas son enteramente propias y no reflejan necesariamente las de BTC Inc o Bitcoin Magazine.

Fuente: Revista Bitcoin

La publicación VINCENT D'ONOFRIO Y LAURENCE FULLER DISCUTAN "SIN MIEDO, SIN CODICIA, SIN ENVIDIA" E INSCRIBIR ARTE EN BITCOIN apareció por primera vez en Crypto Breaking News.