In diesem Interview geben die renommierten Schauspieler und Künstler Vincent D’Onofrio und Laurence Fuller einen Einblick in den kreativen Prozess hinter ihrem Kunstwerk ‚No Fear, No Greed, No Envy‘. Es ist das neueste Werk der kollaborativen Initiative Graphite Method und stellt eine Verschmelzung von Filmgeschichte, digitaler Kunst und poetischem Ausdruck dar, verewigt als Bitcoin-Inschrift. Das Besondere an dem Kunstwerk ist, dass der Rahmen des Triptychons und das Wortgedicht täglich um 19:19 UTC wechseln.

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STEVEN REISS: „No Fear, No Greed, No Envy“ ist Ihr faszinierendes neues Projekt. Können Sie uns die Inspiration hinter diesem besonderen Werk verraten und uns erzählen, was Sie dazu gebracht hat, Graphite Method zu gründen?

LAURENCE FULLER: Dieses Stück entstand, als ich mit Vincent darüber sprach, ein Kunstwerk für Graphite Method zu schaffen, das als Ordinalzahl eingeschrieben werden sollte. Es sollte ein historisches Konzept in Bezug auf Kino, Kunst und Poesie sein und das erste seiner Art – das für immer eine Aussage auf der Bitcoin-Blockchain über die sich entwickelnden Technologien unserer Zeit und ihren Einfluss auf den menschlichen Ausdruck sein würde.

Damals dachte ich viel über das Triptychon in der Kunstgeschichte seit der Renaissance nach und darüber, wie dieses Format des Geschichtenerzählens in drei Akten von Francis Bacon in der modernen Kunst erforscht wurde, in der zeitgenössischeren Kunst jedoch übersehen wurde, insbesondere in der digitalen Kunst im Web3. Was bedeutet das Triptychon heute für uns? Und wann entspricht es der Drei-Akt-Struktur im Kino?

Ich habe mit Vincent über die Beschränkungen der Dateigröße gesprochen und darüber, dass die Datei kleiner sein müsse, um den Parametern von Bitcoin zu entsprechen. Außerdem habe ich darüber gesprochen, dass unser Mitarbeiter an diesem Projekt, Ordinally, über die Möglichkeit gesprochen hatte, ein Stück zu schaffen, das sich im Laufe der Zeit verändert.

Vincent reagierte sofort mit der Idee, dass das Triptychon auf die Geschichte von Charlie Chaplin, Marie Pickford und Douglas Fairbanks und ihre Unterzeichnung der Dokumente für eines der geschichtsträchtigsten großen Studios Hollywoods verweisen sollte (wir haben D.W. Griffith aus gutem Grund ausgelassen). Das Triptychon sollte aus drei Porträts bestehen, die sich im Laufe der Zeit entwickeln und eine traumhafte Neuinterpretation dieser Geschichte aus der Filmgeschichte erzählen, jedoch mit einigen entscheidenden Unterschieden, die den Aufkommen der KI kommentieren. Jedes Bild sollte ein einwortiges Gedicht enthalten, das vom unteren Bildschirmrand nach oben verläuft und von Vincent und mir erzählt wird.

Wir gründeten Graphite Method, nachdem Vincent meine Gedichte auf Twitter entdeckt hatte. Das war einige Zeit, nachdem ich einige Jahre zuvor mit ihm über seine Schauspielerei gesprochen hatte. Das erste Stück, das er postete, war eine Zusammenarbeit mit meiner Mutter Stephanie Fuller, ein animiertes Gemälde mit Gedichten über Wale. Wir gingen getrennte Wege und ein paar Jahre lang schuf ich mir meine Nische in Web3, wo ich das Medium der filmischen Poesie definierte und mit hundert verschiedenen Künstlern auf der ganzen Welt zusammenarbeitete. Aber ungefähr ein Jahr später postete ich wieder etwas über unsere Interaktion und wir kamen in Kontakt. Ich fragte Vincent, ob er zusammenarbeiten wolle und am nächsten Tag antwortete er: „Was meinst du mit Zusammenarbeit?“ ~ von da an ging alles seinen Gang.

VINCENT D’ONOFRIO: In einem Gespräch brachte Laurence die Idee eines Triptychon-Stücks zur Sprache. Wir sprachen ein wenig über die Geschichte triptychonischer Stücke und wie sie den Umfang eines Stücks oder einer Stückserie erweiterten. Eine Gelegenheit, die Struktur eines Stücks, eines Porträts oder einer epischen Landschaft zu übernehmen und seine Erzählung zu erweitern.

Ein gutes Beispiel sind die Triptychen, die erstmals im Mittelalter hergestellt wurden und die Altarbilder von Kirchen schmückten. Die Idee mehrerer Tafeln, die geöffnet oder geschlossen sein konnten. Einen Teil des Gesamtwerks ausblenden und ihn dann öffnen, um die Geschichte aus einer anderen Perspektive näher zu betrachten oder zurückzublicken.

Innerhalb weniger Minuten, während wir sprachen, kam mir das Stück „No fear…“ als vollständiger Gedanke, als vollständiges Werk in den Sinn, als ganzes Stück, als ganze Geschichte, als Bewegung des Stücks und als sein Thema und seine Charaktere. Ich begann sofort, es Laurence zu beschreiben, da ich Laurence gegenüber sehr genau auf die Charaktere und ihre Geschichte eingegangen war. Laurence hat eine wunderbare Vorstellungskraft. Natürlich verstand er das Konzept des Stücks sofort. Innerhalb eines Tages skizzierte ich die Handlung. Eine Art erster Entwurf. Ein Wort für jeden Rahmen und ich beschrieb, wie sich die Wörter von unten nach oben durch das Stück bewegen sollten. Der Ton, das Gefühl, das das Stück haben sollte.

Laurence begann schnell, mir Rohentwürfe von Visuals (WIPS) zu schicken, und wir diskutierten sie und machten uns Notizen. Laurence ging tief in die Visuals ein und fing an, sie auf die wunderbarste Weise hinzubekommen. Das Gesamtkonzept wurde erreicht. Abgesehen davon bin ich nicht so scharf darauf, unsere Stücke zu erklären. Ich denke, dass unsere Stücke für jeden einzelnen Zuschauer, Betrachter, Zuschauer für sich selbst sprechen sollten. Ich glaube, dieses Stück spricht problemlos für sich selbst.

Was die Gründung von Graphite Method betrifft. Mir fiel ein Beitrag auf, den Laurence auf X gepostet hatte. Da ich Laurence nie getroffen hatte, gratulierte ich ihm zu seinem Talent. Eins führte zum anderen und hier sind wir nun bei Graphite Method.

SR: Sie haben sich selbst als Pioniere der filmischen Poesie bezeichnet. Wie beeinflusst dieses Medium Ihre Arbeit mit digitaler Kunst?

LF: Nun, es ist unser gewähltes Medium, ich weiß nicht, ob ich mich selbst so beschreiben würde. Das Aufführen von Gedichten und ihre Adaption auf diese Weise hat meine Schauspieltagebücher zum Leben erweckt. Vieles vom Prozess des Method Acting geht in den staubigen Bibliotheken der Zeit verloren und wird nie wirklich eingehend erforscht. Hauptsächlich, weil unsere Ergebnisse des emotionalen Tagebuchschreibens über den Charakterhintergrund, das Suchen nach Gedanken und Erinnerungen, in den Tagebuchentwürfen nicht wirklich geformt werden. Diese Tagebücher werden oft verworfen und was das Publikum sieht, ist die fertige Aufführung. Aber was wäre, wenn sie zur Substanz für Kunstwerke würden? Es war wirklich die rasante Entwicklung digitaler Kunsttechniken und -prozesse in den letzten Jahren, die es mir ermöglichte, diese Entdeckungen zu verfeinern.

Als ich im März 2021 mein erstes Werk filmischer Poesie auf der Ethereum-Blockchain veröffentlichte, hieß es „Childish Force of Nature“, meine Spoken-Word-Performance eines Gedichts, das ich geschrieben hatte, gepaart mit einem animierten Gemälde von Sima Jo, eine Hommage an die menschliche Erfahrung des Ozeans. Die Naturkräfte dieser Welt müssen die wesentlichen Qualitäten meiner Kunst prägen, unabhängig davon, welches neueste Update der KI stattfindet. Das ist für mich eine universelle Wahrheit. Genauso wie das Schreiben der Gedichte mit der Hand und das Vortragen mit meiner eigenen Stimme.

Das gilt auch für Vincent, wenn ich mit ihm an Werken der Graphitmethode zusammenarbeite.

VD: Ich persönlich habe mich nie als Pionier von irgendetwas bezeichnet. Für mich sind alle Künste Variationen von Variationen von Variationen im Laufe der Geschichte. Die Zeiten ändern sich, die Technologie entwickelt sich weiter und neue Variationen entstehen aus dem Atem und Herzschlag früherer und heutiger Künstler. Das allein ist schon wichtig genug. Es ist einfach eine wirklich coole Idee.

Abgesehen davon, dass ich mich sehr für andere Arten von Kunst und Künstlern in dieser Community begeistere und sie schätze, bin ich wirklich damit beschäftigt, das zu erschaffen, was wir bei Graphite Method machen. Wir treiben diese filmische Poesie so weit wie möglich voran und nutzen die Technologie und unseren Atem und Herzschlag, um sie zu formen. Wir beleuchten sie, drehen sie, komponieren sie, übernehmen die künstlerische Leitung und schreiben und inszenieren sie.

Wir sind definitiv auf etwas gestoßen, das uns beide begeistert. Für mich ist diese Aufregung das, worum es geht.

SR: Laurence, Sie haben einmal erwähnt, dass die Technologie jeden Aspekt unseres Lebens rasant verändert und dass Künstler tatsächlich die Ersten sind, die diese Veränderungen spüren und zum Ausdruck bringen. Wie hat diese Perspektive Ihre Entscheidung beeinflusst, Bitcoin Ordinals für dieses Projekt zu verwenden?

LF: Technologie ist für mich ein Instrument, wie ein Cello, das die Akkorde von Mozart spielt. Sie ist da, sie ist unbelebt, aber wenn menschliche Finger und Ideen sie aufnehmen, nimmt sie eine spirituelle Qualität an. Oder die Stimme des Schauspielers in der klassischen Ausbildung wird oft als Instrument bezeichnet. Ein Großteil meiner Kunst dreht sich darum, unsere Vergangenheit zu ehren, die menschliche Vergangenheit, die Kunstgeschichte, die poetische Geschichte und die Filmgeschichte. Bitcoin hat jedoch die Herkunft, die erste Blockchain und letztlich der letzte Raum in der Bibliothek des digitalen Wissens zu sein, das sicher hinter Code-Tresoren aufbewahrt wird. Dort werden die Göttliche Komödie und die Gesamtwerke Shakespeares des digitalen Zeitalters aufbewahrt und gespeichert. Und wenn sie noch nicht da sind, werden sie es sein. Dieses Stück ist eine Erklärung dafür, dass dies der Fall ist. Pioniere des Kinos sprechen durch uns, mit konzeptueller Poesie und Kunst. Ich glaube, dass Menschen die Technologie in ihrer Fähigkeit, zu fühlen, zu denken und die Welt um uns herum zu verarbeiten, übertreffen.

Ich war überrascht, wie gut Vincent neue Technologien und deren Ausrichtung angenommen hat. Ich würde sogar sagen, dass er mit 64 Jahren noch leidenschaftlicher und offener darüber spricht als ich. Er sagt gerne, ich sei wie ein Maler, aber in Wirklichkeit bin ich überhaupt nicht wie ein Maler, weil ich nicht male. Ich gehe an diese Kunst genauso heran wie an ein Drehbuch als Darsteller. Die Bilder, Symbole und die Poesie prägen das Endergebnis genauso wie sie es bei der Vorbereitung meiner Auftritte als Schauspieler in Film und Theater getan haben. Und die immersiven Darbietungen der Kunstwerke, bei denen die filmische Kunst überall aufflackert, während ich die Poesie aus dem Gedächtnis lese, sind für mich der Punkt, an dem dieses Medium seinen lautesten Herzschlag findet. Für mich ist das die reinste und wahrste Beschwörung der spirituellen Ästhetik des Schauspielhandwerks, die auf eine völlig neue und gefühlsbetonte Weise zum Leben erweckt wird, die nicht reproduziert werden kann.

SR: Sie beide haben über mehrere Jahrzehnte hinweg bemerkenswerte Karrieren als Schauspieler hinter sich. Wie beeinflusst Ihre schauspielerische Erfahrung Ihre Arbeit mit Graphite Method?

VD: Ich habe jahrelang gelernt, mich in meiner Ausdrucksweise immer weiterzuentwickeln. Niemals zurückzublicken und selbstbewusst nach vorne zu blicken. Was auch immer man kreiert, einem Publikum zu präsentieren, ist immer ein Glücksspiel. Es gibt zwei Dinge: Misserfolg oder Erfolg. Beide Ergebnisse sind gut für einen Künstler und beide sind nicht so schwarz und weiß, was die Auswirkungen auf die eigene Weiterentwicklung angeht. Manchmal sind sie austauschbar.

LF: Es ist so wichtig, wie Träume Ihren Tag bestimmen. Diese Art von Arbeit ist wie die unterbewusste Grundlage von etwas viel Größerem, aber dennoch wichtig.

Ich habe schon ein paar Jahre auf diese Weise gearbeitet, bevor ich mit Vincent zusammenarbeitete, und wurde stark von den Dramaturgen, Philosophen, Autoren und Regisseuren beeinflusst, mit denen ich vor meiner Begegnung zusammengearbeitet hatte. Nach zwei Jahren Zusammenarbeit habe ich das Gefühl, dass ich ihn gerade erst kennenlerne.

In meinen Schauspieltagebüchern hat eigentlich alles angefangen. Vor etwa zehn Jahren habe ich an einem Film namens „Road To The Well“ gearbeitet, bei dem es um eine sehr intensive Figur ging, einen Philosophie-Aussteiger. Der Regisseur bat mich, Camus und die Existenzialisten zu studieren, um mich auf die Rolle vorzubereiten, und ich fand es sehr hilfreich, einige dieser Ideen auch in meine Herangehensweise an ein Drehbuch einfließen zu lassen. Um mich auf eine Rolle oder ein Drehbuch vorzubereiten, schrieb ich sehr grobe Prosagedichte und kombinierte sie mit visuellen Referenzen aus der Kunstgeschichte. Im Laufe der Jahre entwickelte sich das immer weiter, bis es das Medium erreichte, mit dem wir uns heute beschäftigen.

Ich war begeistert, als Vincent, einer meiner Helden in der Schauspielerei, mich fragte, ob ich mit ihm zusammenarbeiten wolle. Ich glaube, das verlieh dem, was ich entwickelte, eine ganz andere Qualität. Vincents Ansätze sind moderner und avantgardistischer, normalerweise völlig losgelöst von der Geschichte. An einem Tag zerschmettert er etwas und am nächsten Tag erklärt er es für wertvoll und unzerbrechlich.

Für mich besteht die Konstruktion eines Gedichts oder eines Kunstwerks aus Anpassungen, vielen kleinen Anpassungen, die aufeinander gestapelt werden, bis man einen Turm zu Babel erhält – eine Metapher ist eine Anpassung einer harten Realität. Ein Gedicht ist eine Anpassung von etwas unerträglich Wahrem. Die Sprache selbst wird über Generationen hinweg angepasst, die bildliche Sprache und die verbale. Unsere Beziehung zu allem ist eine angepasste Beziehung.

SR: Ihr Projekt zieht Parallelen zu den Anfängen des Kinos, etwa zur Gründung von United Artists. Wie beeinflussen diese historischen Bezüge Ihre Arbeit?

LF: Ich bin immer wieder fasziniert von den Spuren, die in der kollektiven Geschichte der Philosophie, des Kinos und der Kunst hinterlassen wurden. Ich glaube, nichts kann so aufschlussreich sein wie das Leben selbst, aber manchmal stoßen Geschichtenerzähler auf Wahrheiten, die wir ohne ihre Hilfe nicht erforschen können. Manchmal finde ich in der Lektüre von Baudelaire oder den Schriften meines verstorbenen Vaters mehr Wahrheit als in den Worten der Menschen, die mich damals umgaben. Manchmal sind die Menschen um mich herum für meine Kunst sehr aufschlussreich, auch wenn ich mich von ihnen isoliert fühle.

Die Maler der London School wurden von der Generation vor ihnen beeinflusst, mit David Bomberg und Stanley Spencer und dergleichen. Auch die Literatur entwickelte sich auf diese Weise: Wenn eine bestimmte Prosa zu einer Zeit sehr aktuell wirkte, dann war sie passé und dann erlebte sie für die nächste Generation plötzlich ein Comeback. Und auch Schauspieler werden von früheren Generationen beeinflusst. Daniel Day-Lewis sagte, er sei sehr von Brando beeinflusst worden. Ich denke, in ähnlicher Weise wurde ich von Vincent beeinflusst. Nicht im wörtlichen Sinne, sondern in dem Sinne, dass man es nicht ignorieren kann, wenn jemand die Grenzen bis zum Äußersten verschiebt. Als Künstler muss man sich mit diesem Moment auseinandersetzen, der alles verändert hat.

Die Kunstgeschichte spielt in unseren Werken eine wichtige Rolle. Doch ebenso wichtig ist es, dass diese Referenzen gemeinfrei sind, wie bei den vor 1929 entstandenen Filmen Chaplins.

VD: Die Vorstellung, dass man als Künstler an der Geschichte vieler Künstler im Laufe der Zeit teilnimmt. Das ist sehr hilfreich. Dass man nicht allein ist. Dass die Vorstellung, in seiner Kunst 100 % zu erreichen, ein Mythos ist. Es ist vielmehr eine Reise. Man kämpft darum, 100 % zu erreichen, obwohl man weiß, dass man das nie kann.

Dieser Kampf ist das, was das Publikum bekommt. Das ist die Show, die Geschichte, das Stück.

Der Kampf geht weiter. Die Belohnung ist einfach die Tatsache, dass vielleicht doch ein Publikum kommt und zuschaut.

SR: Ihre Kunstwerke stellen auch die sich ändernden Werte und ethischen Grundsätze infrage, die mit dem Aufkommen der KI einhergehen. Wie sehen Sie die Parallelen zwischen den ethischen Fragen, die das frühe Kino aufwarf, und denen, die durch moderne digitale Technologien aufgeworfen werden?

LF: Die Erfindung der Kamera hat alles verändert. Philosophen schienen der Wahrheit am nächsten zu kommen, wenn sie diskutierten, wie sich diese Veränderungen auf Maler und Bildhauer auswirkten und welche weitreichenden Folgen das für die Gesellschaft als Ganzes hatte. In Walter Benjamins „Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit“, später in John Bergers „Wege des Sehens“ und in „Seeing Through Berger“ seines problematischen Protegés Peter Fuller. Alle setzten sich mit der Komplexität der materiellen Qualitäten von Malerei und Skulptur in Bezug auf ästhetische Erfahrung auseinander und wie dies unser Verständnis von Kunst als spirituelle Erfahrung prägte. Die Kamera hingegen befreit das Bild von seiner physischen Präsenz und verwandelt es in etwas wesentlich Neues und Anderes. Die Kamera ermöglicht es, dass Geister eines Augenblicks und eines Objekts gleichzeitig in Häusern und Köpfen auf der ganzen Welt existieren. Das Kino formte diese Geister erneut, sodass sie sich bewegen und schließlich sprechen konnten.

Was zur Zeit von Chaplin, Pickford und Fairbanks einen Wachwechsel in ihrem gewählten künstlerischen Medium darstellte: Ton und Farbe.

Vincent scheint mir jedoch sehr besorgt um Ethik und Moral zu sein. Es scheint, als hätte er eine Haltung, die er vertritt, obwohl diese Haltung sich anscheinend ziemlich oft ändert.

Ich würde sagen, dass Moral für mich weniger wichtig ist, da ich das Leben aus einer existenziellen und stoischen Perspektive betrachte. Morgen kann alles vorbei sein. Was hat Sie also in der kurzen Zeit, die Ihnen zur Verfügung stand, wirklich beschäftigt? Ob Sie in den Augen anderer ein netter Mensch waren? Oder ob Sie Ihre Träume verwirklicht haben?

VD: Durch KI werden Menschen ihre Jobs verlieren. Ich eingeschlossen. Das bringt mich nicht geradezu vor Freude in die Luft. Fortschritte in unserer Kultur und in unserer Technologie haben schon immer solche bewirkt. Dennoch glaube ich, dass echte Kunst immer am lautesten klingt, egal, durch welchen Prozess sie entstanden ist.

Ich glaube, wenn hinter einer Schöpfung Herzschlag und menschlicher Atem stehen, werden wir diese neuen Technologien überleben. Bei allem, was Laurence und ich tun, steht unser Herzschlag und unser Atem hinter jedem unserer Stücke. Wir fotografieren es. Wir übernehmen die künstlerische Leitung. Wir schreiben jedes Wort davon.

Es sind definitiv unsere Kreationen. Wir nutzen KI nicht, um sozusagen Spottdrossel zu betreiben.

SR: Können Sie erklären, wie Sie die Dateigrößenbeschränkungen von Bitcoin bei der Erstellung dieses Kunstwerks zu Ihrem Vorteil genutzt haben?

VD: Es brachte mich auf die Idee einer Standbildsequenz mit nur einem Wort pro Bild. Die einzige Bewegung in dem Stück ist das Wort, das nach oben und durch das Bild schwebt.

LF: Das war ein großer Teil dessen, was dieses Stück zu dem gemacht hat, was es ist. Die Diskussion über die Beschränkungen der Dateigröße brachte Vincent auf die Idee, dass wir uns auf die Anfänge des Kinos konzentrieren sollten und darauf, wie die Beschränkungen ihrer Zeit die Medien Stummfilm und Schwarzweißfilm prägten. Chaplin in Bestform zu sehen bedeutet, seine Erfindungen angesichts von Beschränkungen zu sehen. Technologische Beschränkungen, optische Beschränkungen und in manchen Fällen moralische Beschränkungen. Er überwand die Fesseln seiner Zeit auf sehr schelmische Weise, weshalb sich die Welt in ihn verliebte.

SR: Was erhoffen Sie sich, werden die Zuschauer aus der Erfahrung dieses Werks mitnehmen, sowohl in künstlerischer als auch in technologischer Hinsicht?

VD: Ich hoffe, es gefällt ihnen.

LF: Ich hoffe, dass dieses Stück mit der Zeit und durch die wiederholte Ausstellung in Museen und Galerien auf der ganzen Welt den Wachwechsel in allem, womit wir uns beschäftigen, symbolisieren wird. Die alte Welt trifft auf die neue.

Traditionelle Medien waren mir während meiner gesamten künstlerischen Laufbahn immer wichtig. Ich studierte klassisches Theater an der Bristol Old Vic Theatre School, beschäftigte mich mit der Kunstkritik meines verstorbenen Vaters, seiner Poesie und den Philosophen, die er verehrte. Und diese Kunstformen ins Kino zu bringen und in die Independent-Filme, in denen ich mitgespielt, die ich geschrieben und produziert habe, war mir sehr wichtig und das, wofür ich als Schauspieler und Autor stand, ist mir jetzt auch wichtig für das, wofür ich in der digitalen Kunst stehe.

SR: Was sind Ihrer Meinung nach die wichtigsten Lehren, die Sie aus Ihren Erfahrungen mit Bitcoin ziehen können, und welchen Rat würden Sie anderen Künstlern, aber auch Sammlern geben, die sich mit ordinalbasierter Kunst beschäftigen möchten?

VD: Über die Geschichte und Entwicklung der Kunst nachzudenken. Über alle Künste. Die unendlich viele Möglichkeiten bieten können. Und das funktioniert gut, wenn man es in Web3-Sensibilitäten darstellt. Ein tiefer Brunnen, in den man hineingreifen kann.

LF: Die Kunstkenntnis hat mein Leben seit meiner Kindheit auf eine Weise bereichert, die ich mir nie hätte vorstellen können. Ich sammelte Kunst und handelte damit. So konnte ich mir meinen Umzug nach Los Angeles leisten, indem ich einige bedeutende Kunstgeschäfte aus meiner Privatsammlung abschloss.

Diese Leidenschaft für bildende Kunst, das Sammeln und die Neugier in ihrem kulturellen Kontext wurde von meinen Mitschülern nicht immer verstanden, und es gibt irgendwo ein Bild von mir, wie ich im Alter von 18 Jahren vor fünf Radierungen von Lucian Freud stehe. Mit 19 drehte ich einen Film darüber, einen Film namens Possession(s), den ich schrieb, produzierte und in dem ich mitspielte. Er handelte von einem Sammler, der alles in seinem Leben aufgab, um ein Gemälde des australischen Künstlers Peter Booth zu besitzen. Es nahm ihn völlig gefangen, er wurde davon besessen. Ich besaß das Gemälde im Film, das sozusagen diese andere Figur war, die wie ein Gespenst über den Darstellern schwebte, und als der Film herauskam, verkaufte ich es auf einer Auktion.

Man kann nie wirklich wissen, wohin einen der Besitz eines historischen Kunstwerks führt oder wie sich die Dinge entwickeln werden. Darin liegt Magie.

Die Kunst kann hier angesehen werden: Keine Angst, keine Gier, kein Neid.

Dies ist ein Gastbeitrag von Steven Reiss. Die geäußerten Meinungen sind ausschließlich ihre eigenen und spiegeln nicht unbedingt die von BTC Inc oder Bitcoin Magazine wider.

Quelle: Bitcoin Magazine

Der Beitrag VINCENT D’ONOFRIO UND LAURENCE FULLER DISKUTIEREN ÜBER „KEINE ANGST, KEINE GIER, KEIN NEID“ UND DAS EINSCHREIBEN VON KUNST AUF BITCOIN erschien zuerst auf Crypto Breaking News.